Los retratos de la reina: una potente mezcla de política y fantasía que abarca 70 años

Dos reinas Isabel se reúnen de manera fantástica durante medio milenio durante la semana del Jubileo en New Bond Street de Londres.

El primero es un rostro enmascarado envuelto en una peluca castaña rodeada por una gorguera puntiaguda de encaje, una alegoría del sol y sus rayos benévolos. Con su mano sobre un globo terráqueo, su túnica deshuesada y bordada rígida como una armadura, Isabel I en el Retrato de la Armada (1588) es la representación más famosa del poder femenino en el arte occidental. Tranquila, impenetrable, el punto inmóvil de un mundo que gira, domina no solo un imperio sino también los elementos: barcos sacudidos en mares tormentosos a su izquierda logran la victoria en aguas tranquilas a su derecha. Pero su propio cuerpo ha desaparecido en una plétora de símbolos.

En el suyo, salpicó bloques brillantes de color lila y púrpura sobre fotografías serigrafiadas. reinas reinantes Serie (1985) Andy Warhol entendió los iconos: la fuerte mezcla de reconocimiento inmediato e incognoscibilidad individual. Su arte pop de color caramelo “Elizabeth II”, repetido como sellos postales, halaga y actualiza la marca real.

En Sotheby’s, una nueva exposición tentadora e inmensamente entretenida Poder e imagen: retratos reales e iconografía, Warhol flanquea el retrato de Armada (en préstamo excepcional de Woburn Abbey) en un lado. Por el otro, un holograma de la reina brilla en armiño blanco, con los ojos cerrados: “Lightness of Being” de Chris Levine (2004/22). Aspira a la intimidad, al momento desprevenido, pero también funciona realmente como un emblema de la luz y la quietud, el luminoso cabello blanco grisáceo y la tiara de pedrería brillan como un halo.

Cuán perdurable e ineludible es el lenguaje del misticismo real, incluso para los artistas conceptuales populares y vendidos en Mayfair. La monumental fotografía de Thomas Struth de 2011 aquí muestra al Príncipe Felipe, ligeramente en la sombra, y a la Reina, brillantemente iluminada, contra la vasta oscuridad que retrocede del Baroque Green Drawing Room de Windsor: un aura majestuosa escenificada dentro de la geometría formal característica de Struth y efectos de distanciamiento, estricto fotógrafo alemán de edificios colosales y multitudes anónimas. Estaba asombrado y desconcertado por la invitación a Windsor: “¿Sería capaz de decir algo nuevo sobre esas personas?”

La Reina es la monarca más retratada de la historia. Se han producido más cambios en la creación y difusión de imágenes a lo largo de su vida, tecnológica y socialmente, desde la televisión hasta Instagram, que en los cinco siglos anteriores. El retrato real exige convenciones, pero debe ser inventivo y adaptable: las cosas tienen que cambiar para permanecer igual. Ni Struth ni Levine son retratistas, pero los suyos son los retratos preeminentes de la Reina en las últimas dos décadas, y sus encargos demuestran el atractivo mediático del palacio. Warhol, cuya irreverencia revitalizó todo el género del retrato real, no fue comisionado, pero la Colección Real se puso al día, adquiriendo un cuarteto de Reigning Queens en 2012.

La gestión de la imagen ha sido el negocio de la monarquía desde el comienzo de la monarquía. Tudors, Stuarts y Georgians obtuvieron los mejores artistas: Holbein, Van Dyck, Thomas Lawrence. Europa tenía la misma lealtad del genio al poder: Tiziano y Velázquez pintaron a los Habsburgo, Goya a los Borbones. A fines del siglo XIX, el surgimiento de una vanguardia asediada interrumpió este delicado equilibrio entre el arte y la autoridad. El retratista de Napoleón III. no fue Manet, el pintor radical de figuras de la época, sino el manso Franz Winterhalter, quien también fue atraído a Gran Bretaña por el Príncipe Alberto. En ese momento, el retrato real ya no era una pintura de vanguardia.

Sotheby’s muestra “Queen Victoria” de otro favorito de la corte, George Hayter. Las insignias (túnica de coronación, corona estatal, ropajes de terciopelo rojo) son las esperadas, pero los buenos modales se han convertido en una grandilocuencia vacía. Este lienzo fue encargado por Madame Tussauds en 1838, momento clave en la popularización de la imagen real. En una era democrática, cuando el monarca ya no gobernaba sino que gobernaba, prosperaba la pompa, el vestigio del poder real. Una monarquía constitucional debe excitar, de ahí los rituales absurdos pero esenciales de exhibición y formalidad que llegan a una amplia audiencia a través de la reproducción mecánica.

En la inquietante Reina Isabel II (1999) de Hiroshi Sugimoto, lo que parece ser una fotografía de un ser humano vivo es una muñeca de cera de Madame Tussauds modelada a partir de otras fotografías: un retrato extraído tres veces de la persona misma.

Sugimotos es una de las 65 imágenes seleccionadas de miles de representaciones en la colección de la Galería Nacional de Retratos de Londres para revelar la historia de los retratos de la Reina en el encantador nuevo volumen de NPG. Isabel II: princesa, reina, icono. La consecuencia del autorretrato es asombrosa: a la edad de tres años, aparece capturada en la fotografía de estudio de Marcus Adam, muy erguida, tranquila, alerta, y ya lleva un collar de perlas.

Tomadas semanas después de acceder al trono, las fotografías de Dorothy Wilding de la princesa de los cuentos de hadas se estaban convirtiendo en la estrella de la Reina, una mujer joven con rasgos esculpidos y cabello trenzado, posando con un vestido de Norman Hartnell, la imagen reproducida en sellos y monedas durante décadas. Son sencillos pero no ingenuos: los ejemplos coloreados a mano en particular presagian el equilibrio entre naturalismo y artificialidad que atraviesa la iconografía que sigue.

Glamour, por otro lado, se rediseña como un campamento en una era posmoderna: excesivo, autocrítico. Cecil Beaton da la vuelta a las convenciones estáticas de los retratos de coronación al colocar a la Reina contra un fondo pintado del techo abovedado en la Lady Chapel de Enrique VII en la Abadía de Westminster. Beaton superpone ilusiones, declara que la formalidad es teatralidad: un juego fabuloso.

Sin diversión, el esplendor real degenera en kitsch de Hollywood: la melodramática producción de Annie Leibovitz de 2007 parece burda. sátira y simulacros — Escupir imagen y más tarde Claire Foy y Olivia Colman La corona – han causado estragos en nuestras respuestas al realismo. Rara vez un fotógrafo impresiona con un naturalismo abierto. El primer plano de 2014 de David Bailey de la Reina de 88 años con joyas de zafiro, vestido de zafiro, ojos de zafiro, “ojos muy amables con un brillo travieso” lo logra: un retrato de una vida bien vivida: resiliencia, humor, sabiduría.

Para el reportaje, la cámara ha vencido al pincel: la imagen de la reina se enamora a través de fotografías. Demasiados horrores caprichosos o fotorrealistas han dado a las pinturas reales modernas una reputación terrible. Pero no es un final del juego: la antigua relación entre la monarquía y la pintura sigue siendo sutil, gratificante y perspicaz en el mejor de los casos.

La oportunidad de ser parte de esta historia atrajo a Lucian Freud a años de negociaciones para pintar a la Reina. Su diminuto retrato brutal de 2001, con la piel arrugada, los labios fruncidos, la mirada pétrea, una expresión de firmeza y sentido del deber, teñida de resignación y cansancio, es la pintura real más grandiosa en un siglo. La diadema, exquisitamente pintada, empastada de peso, hace extraordinaria la vejez ordinaria: la cabeza que lleva la corona yace inquieta.

El volumen de NPG destaca dos reinas pintadas, cada una intrigante y profundizando en la tradición: el tipo de pintura figurativa agradable y cuestionadora que lamentablemente queda fuera de la conversación en bastiones conceptuales como Tate. El melancólico retrato al temple de tamaño natural de Pietro Annigoni de 1969 de la reina con túnica roja, sola en un paisaje sombríamente abstracto, sigue los modelos renacentistas y hace referencia a la soledad de su papel.

La fluida película de 12 pies de John Wonnacott, vagamente pintada, The Royal Family: A Centenary Portrait (2000), ambientada en el White Drawing Room del Palacio de Buckingham, también recuerda al grupo real de John Lavery de 1913 en el mismo interior. Lírico, cómico, Wonnacott juega el escenario dorado adornado contra la ropa contemporánea y la informalidad: el larguirucho William, Harry trepando sobre un sofá. En primer plano, los corgis que se interponen en el camino están a punto de ser expulsados ​​de la imagen.

¿Pueden encajar la moda y la riqueza, componentes inevitables de los retratos reales, con la política poscolonial actual? Sí, dice Sotheby’s: su trofeo es la última pintura de la Reina encargada para la revista Tatler de este mes por el artista nigeriano Oluwole Omofemi. En una muestra virtuosa de pinceladas y colores (fondo amarillo brillante como contraste para un vestido verde azulado), Omofemi basó su retrato en una fotografía de la época de la visita de la joven reina a Nigeria en 1956. Los planos de planta planos y los contornos claros recuerdan a Warhol. , sin embargo, hay una innovación disruptiva: esta reina tiene cabello negro azabache, una marca registrada de los retratos pop de figuras negras de Omofemi.

“El cabello representa el poder de las mujeres”, dijo Omofemi. “Utilizo el cabello como metáfora de la libertad. . . diciéndoles a los negros que acepten quienes son”. Utilizando el cabello como símbolo de fuerza, el elegante halo negro recuerda a la peluca de Isabel I en el retrato de Armada. Esta foto fue tomada al comienzo de la conquista colonial de Inglaterra. El retrato poscolonial de Omofemi afirma la libertad de un pintor negro para recrear un icono blanco en su imagen.

Caminando por una delgada línea entre la accesibilidad y el aislamiento, los retratos reales representan a un monarca con el que nos identificamos, pero que misteriosamente sigue siendo diferente. Omofemi es la imagen por ahora; su fusión de política y fantasía es la base de todo el arte real.

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